Выставка «Интерпретации»

При появлении человека собака рычит, а когда он подходит ближе, уже лает…

Марина Алексеева
Художник. Родилась в 1959 году в Ленинграде (CCCР). По образованию керамист, окончила ЛВХПУ им. В.И.Мухиной (Ленинград, СССР). Работает в разных медиа: инсталляция, объект, живопись. Участник Московской биеннале современного искусства (2011), Биеннале современного искусства в Панаме (2013). Лауреат премии Сергея Курехина (Россия, 2010) в номинации «Искусство в общественном пространстве» (совместно с Борисом Казаковым). Произведения находятся в коллекциях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Московского музея современного искусства (Россия), Мультимедиа-арт-музея (Москва, Россия), фонда культуры «Екатерина» (Москва, Россия), Fundació Sorigué (Льейда, Испания), Art Vectors Investment Partnership (Вена, Австрия) и др. Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).

Видео симулирует движение трех прозрачных лифтов в окнах выставочного зала Академии художеств. Лифты беспорядочно снуют вверх-вниз, неся в себе людей, их действия и жесты, а также прочее содержимое. Жизнь — это движение. Движение — это жизнь. Возможно, в этом нет смысла.

Марина Алексеева
Художник. Родилась в 1959 году в Ленинграде (CCCР). По образованию керамист, окончила ЛВХПУ им. В.И.Мухиной (Ленинград, СССР). Работает в разных медиа: инсталляция, объект, живопись. Участник Московской биеннале современного искусства (2011), Биеннале современного искусства в Панаме (2013). Лауреат премии Сергея Курехина (Россия, 2010) в номинации «Искусство в общественном пространстве» (совместно с Борисом Казаковым). Произведения находятся в коллекциях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Московского музея современного искусства (Россия), Мультимедиа-арт-музея (Москва, Россия), фонда культуры «Екатерина» (Москва, Россия), Fundació Sorigué (Льейда, Испания), Art Vectors Investment Partnership (Вена, Австрия) и др. Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).

В этой снятой одним кадром видеоработе внимание сосредоточено на фигуре смотрительницы в Эрмитаже и происходящих вокруг нее микрособытиях. Пристальное наблюдение, разглядывание обыденной жизни отсылает к излюбленным сюжетам картин Вермеера. Освещение, интерьер и положение фигуры в кадре — к его композиционным приемам. Бой старинных часов, дополняющий видео, усиливает ощущение медленно текущего времени.

Людмила Белова
Художник, куратор. Родилась в 1960 году на Камчатке (СССР). Окончила Абрамцевское художественно-промышленное училище (Московская область, СССР). Занимается видео, звуком, живописью, фотографией. Исследует вопросы памяти, пространства и времени; изучает влияние новых технологий на человека в художественных практиках; через интерактивность делает зрителя участником арт-процесса. Произведения Беловой выставлялись в Европе, США, России и Азии. Участник Московской биеннале (Россия, 2005, 2011), выставок параллельно с Венецианской биеннале (Италия, 2011, 2013, 2015), параллельной программы биеннале «Манифеста 10» (Санкт-Петербург, Россия, 2014). Лауреат премии «50 Bestern» ZKM (Карлсруэ, Германия, 2000), номинант премии Сергея Курехина (Россия, 2011, 2015). Работы находятся в коллекциях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Музея Анны Ахматовой (Санкт-Петербург, Россия), музея «Эрарта» (Санкт-Петербург, Россия), The Kolodzei Art Foundation (Нью-Йорк, США), в частных собраниях Швейцарии, Германии и России. Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).
www.ludmilabelova.com

«Даная» — это мультимедийный объект-скульптура из «живых» круглых зеркал, которые вздрагиваютот прикосновения светового луча к их поверхности. Общие очертания скульптуры можно соотнести с фигурой Данаи на картине Рембрандта, хранящейся в Эрмитаже. Губанова и Говорков обращаются к мифу о боге Зевсе и дочери царя Акрисия как к прекрасной иллюстрации животворящей силы нематериального в искусстве. И это не единственная аналогия: круглые поверхности зеркал можно воспринимать как планеты условной Вселенной, «оживляемые» светом. И ученые, и художники во все времена стремились представить обыденное таинственным, а таинственное — видимым. Неслучайно один из астероидов, мечущихся по Вселенной в поисках живого света, был назван «Даная».

Елена Губанова
Художник, куратор. Родилась в 1960 году в Ульяновске (СССР). Окончила Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (Ленинград, СССР). Занимается живописью, скульптурой, инсталляцией, видео. Основной интерес Губановой как художника — раскрытие понятия времени-пространства в социальном контексте, презентация научных открытий образным языком искусства. Лауреат премии Сергея Курехина (Россия, 2012) в номинации «Лучшее произведение визуального искусства» (совместно с Иваном Говорковым). Работы выставлялись на крупнейших российских и зарубежных площадках, среди которых Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия), Русский музей (Санкт-Петербург, Россия), Музей Москвы (Москва, Россия), Университет Ка-Фоскари (Венеция, Италия), Художественный музей Челси (Нью-Йорк, США), Kunstquartier Bethanien (Берлин, Германия). Участник параллельной программы биеннале «Манифеста 10» (Санкт-Петербург, Россия, 2014) и выставок параллельно с Венецианской биеннале (Италия, 2011, 2013, 2015); многократный участник фестиваля «Киберфест». С 1990 года работает совместно с Иваном Говорковым. Живет в Санкт-Петербурге (Россия).
www.elenagubanova.com

Иван Говорков
Художник. Родился в 1949 году в Ленинграде (СССР). Окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (Ленинград, СССР). Занимается философией, психологией, рисунком, живописью, скульптурой, инсталляцией; работает на стыке традиционного искусства и новых технологий. Профессор кафедры рисунка Института им. Репина. Лауреат премии Сергея Курехина (Россия, 2012) в номинации «Лучшее произведение визуального искусства» (совместно с Еленой Губановой). Работы выставлялись на крупнейших российских и зарубежных площадках, среди которых Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия), Русский музей (Санкт-Петербург, Россия), Музей Москвы (Москва, Россия), Университет Ка-Фоскари (Венеция, Италия), Художественный музей Челси (Нью-Йорк, США), Kunstquartier Bethanien (Берлин, Германия), Sky Gallery 2 (Токио, Япония). Участник параллельной программы биеннале «Манифеста 10» (Санкт-Петербург, Россия, 2014) и выставок параллельно с Венецианской биеннале (Италия, 2011, 2013, 2015); многократный участник фестиваля «Киберфест». С 1990 года работает совместно с Еленой Губановой. Живет в Санкт-Петербурге (Россия).

Вдохновением для художницы стало изучение витражного искусства Средневековья и эпохи Ренессанса. На первый взгляд, перед нами огромная, в натуральную величину, фотография витража из собора Святого Патрика в Мельбурне. Однако недвижное, казалось бы, изображение начинает очень медленно трансформироваться, настолько медленно, что зритель постепенно осознает, что все процессы за пределами этой комнаты слишком быстротечны и стремительны. Зритель буквально вынужден прочувствовать невыносимую легкость света, что исходит от безмолвного образа. «Невыносимая легкость», таким образом, сродни церковному витражу, приоткрывающему завесу иного мира.

Александра Дементьева
Художник. Родилась в 1960 году в Москве (СССР). Изучала журналистику и искусство в Москве (Россия) и Брюсселе (Бельгия). Основной интерес Дементьевой как художника — применение социальной психологии, теории восприятия и бихевиоризма в инсталляциях, а также развитие нарратива в фильмах посредством субъективной камеры. Активный участник сообщества медиалаборатории CYLAND с 2008 года. Профессор Королевской академии искусств в Брюсселе (Бельгия). Обладательница главного приза за лучшее моноканальное видео на фестивале VAD (Жирона, Испания). Участница многочисленных выставок в крупнейших российских и зарубежных культурных институциях, среди которых Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия), Московский музей современного искусства (Россия), культурный центр Centro de la Imagen (Мехико, Мексика) и др. Живет и работает в Брюсселе (Бельгия).
www.alexdementieva.org

Развивая собственную художественную стратегию, Большое семейство чайного гриба Комбуча-Достоевский при помощи специальных агентов — дуэта медиахудожников ::vtol:: and Katran (Дмитрий Морозов и Сергей Катран) — обретает голос, то есть способность воспроизводить популярное внутри семейства корневое музыкальное произведение «Ведьмины кольца». Звуковой художник, гуру электронной музыки и саунд-арта ::vtol:: создал сложную аудиосистему, анализирующую прозрачность жидкости-дома чайного гриба с последующей трансформацией полученной информации в звук. Сергей Катран — главный хранитель, куратор, идеолог и тайный советник Большого семейства чайного гриба Комбуча-Достоевский — стал инициатором проекта.

Сергей Катран
Художник. Родился в 1970 году в городе Никополе Днепропетровской области (Украина). По первому образованию биолог и химик. Окончил курс режиссуры Татьяны Данильянц в Школе визуальных искусств (Москва, Россия). Номинант премии Сергея Курехина (Россия, 2013, 2014, 2016). Сфера интересов: эксперимент, границы искусства, «искусство случайного», искусство и наука. Работы находятся в Русском музее (Санкт-Петербург, Россия), Государственном центре современного искусства (Россия), частных коллекциях. Живет и работает в Москве (Россия).
www.katranland.com

Дмитрий Морозов aka ::vtol::
Саунд-художник. Родился в 1986 году в Москве (СССР). Окончил факультет истории искусств Российского государственного гуманитарного университета (Москва, Россия). Участник Московской биеннале современного искусства (Россия), фестивалей «Архстояние» (Калужская область, Россия), Ars Electronica (Линц, Австрия) и SIGGRAPH (США), выставок на ведущих площадках современного искусства в России и за рубежом. Обладатель премии Prix Cube (Франция, 2014), премии Сергея Курехина в номинации «Искусство в общественном пространстве» (Россия, 2014), премии «Инновация» в номинации «Новая генерация» (Россия, 2013). Живет и работает в Москве (Россия).
www.vtol.cc

Результат двух с лишним лет совместной работы с научной группой Центра исследований и реставрации музеев Франции в Лувре, «Кайрос» — ландшафт мигрирующих возможностей. На видео и фотографиях, снятых через микроскоп Hirox, запечатлены элементы, связанныес загадочной месопотамской фигурой. Они представляют собой лавину возможного, микроскопического и безмерного в пространстве — от неведомого до подразумеваемого воображением. Эта месопотамская скульптура из собрания Лувра изображает великую богиню Иштарс рубинами из Бирмы в глазах и пупке и с рукой, протянутой в жесте предложения, приглашенияк работе. Звук производится антеннами дальней космической связи NASA, это звук звездного света…

Сьюзан Клейнберг
Художник. Родилась в 1949 году в Финиксе (США). Работы Клейнберг выставлялись на Венецианских биеннале 2001, 2005 и 2009 годов, а также в Музее Фортуни (Венеция, Италия, 2011, 2015). Она принимала участие в различных выставках, в том числе в центре PS1 при Музее современного искусства (Нью-Йорк, США), Национальном музее изящных искусств (Буэнос-Айрес, Аргентина), музее MAXXI (Рим, Италия) и музее «Тотал» (Сеул, Южная Корея). Cотрудничала с Центром исследований и реставрации музеев Франции в Лувре (Париж, Франция). Живет и работает в Нью-Йорке (США).
www.susankleinberg.com

«Поля 2.1» — это попытка создать иллюзию наличия сознания у неживой материи. В качестве признака, позволяющего зрителю интерпретировать «неодушевленное» как «осознающее», выбран образ движущегося глаза. Используя магнитные поля, художники выстраивают модель становления неодушевленной материи, которой органически присуща случайность конкретных изменений в конкретные моменты времени. В этом проекте сознание (или его признаки) возникает как реакция на другое сознание (или его признаки) и включает в себя разные отношения между сущностями —от наблюдения до взаимодействия.

Группа «Куда бегут собаки»
Арт-группа, образованная в 2000 году в Екатеринбурге (Россия). Художники Влад Булатов, Наталья Грехова, Ольга Иноземцева и Алексей Корзухин создают кинетические скульптуры, объекты, инсталляции, видео и акции, обращенные как к спонтанным телесным переживаниям и мифологическим повествованиям, так и к образам оптических и языковых иллюзий. Группа участвовала во многих фестивалях и выставках современного искусства в России и за рубежом, среди которых Московская биеннале современного искусства (Россия, 2005, 2007, 2009, 2013), Красноярская музейная биеннале (Россия, 2009, 2011), фестиваль Ars Electronica (Линц, Австрия, 2012) и другие.

Технология планомерно ускоряет перемещения в пространстве, и человек теперь способен лишь частично препарировать визуальные стимулы. Восприятие визуального пространства становится функцией скорости собранной информации. «Переходное состояние» — метафорическая карта пространственной аномалии, которая является побочным продуктом обилия информационных стимулов. Это отображение личных воспоминаний художника, вглядывающегося в чужеродный ландшафт мира, который, по всей видимости, набирает вокруг него обороты.

Игорь Молочевский
Художник, фотограф. Родился в 1976 году в Киеве (СССР, ныне Украина). В его творческом арсенале — живое кодирование, интерактивное и порождающее программирование, кинетические скульптуры, звуковой дизайн и цифровые изображения. Его работы выставлялись в таких культурных центрах, как Музей современного искусства (Загреб, Хорватия), Музей русского искусства (Миннеаполис, США), арт-центр Whitebox (Нью-Йорк, США), центр современного искусства «Винзавод» (Москва, Россия). В настоящее время Молочевский работает на факультете цифрового искусства Института Пратт (Нью-Йорк, США). Живет в Нью-Йорке (США).
www.bareimage.com

Представьте себе мысленный настрой молочницы, переливающей молоко весь день — от восхода до заката. Вне всякого сомнения, подобный труд весьма утомителен. Взяв за основу картину мастера, искусно запечатлевшего святость христианского бытия через простой акт переливания молока, Ли Ли Нам изображает молоко, переливаемое в бездонный колодец, как метафору жизни ради удовлетворения мирских желаний.

Ли Ли Нам
Художник. Родился в 1969 году в уезде Тамян (Южная Корея). Окончил Университет Чосон (Кванджу, Южная Корея). В своем медиаискусстве, которое начало привлекать большое внимание в середине 2000-х годов, художник создает пространство сосуществования физического и виртуального. Его работы демонстрировались в рамках персональных и групповых выставок в разных странах, включая Южную Корею, Японию, Китай, Тайвань, Сингапур, США, Великобританию, Испанию и Тунис. Участник выставки «Личные структуры. Пересечение границ» в палаццо Мора во время Венецианской биеннале 2015 года (Италия). Живет и работает в Кванджу (Южная Корея).
www.leenamlee.com

На месте экрана — большой лайтбокс с репродукцией картины Эдуарда Мане «Балкон», а вместо кресел зрительного зала — пятьдесят маленьких лайтбоксов с изображениями людей в позе героя«Мертвого тореадора» того же художника. Геометрически инсталляция воспроизводит пространство кинозала, центром внимания и источником смысла в котором является экран. Однако сюжетно все обстоит ровно наоборот: экран смотрит в зал, дамы и господа с балкона наблюдают размноженный финал корриды. Зал служит ареной, экран символизирует ряды театра. Система замкнута сама в себе. Зрелище поглощено самолюбованием. Ему не нужен ни «реальный» зритель (вытесненный во внешний мир), ни даже оригинал (фоторепродукции вместо уникальных техник, в которых«присутствует» автор). Любая репетиция здесь превращена в реальность спектакля, всякая копия обладает энергией оригинала. Нарцисс заворожен собственным отражением. И только раздающийся время от времени резкий звук спасает его от безвременной смерти в воде ручья.

Ирина Нахова
Художник. Родилась в 1955 году в Москве (СССР). Окончила Московский полиграфический институт (СССР). Пионер жанра тотальной инсталляции в советском андеграунде. Параллельно с этим занимается живописью и создает инсталляции, задействуя в них живопись, цифровую печать, скульптуру, интерактивные видео и аудио. В 2013 году Нахова получила премию Кандинского (Россия) в категории «Проект года» за инсталляцию «Без названия», в которой использованы фотографии и фильмы с 1920-х годов по сегодняшний день из ее личного архива. Начиная с 1989 года ее работы выставляются по всей Европе и в США. В 2015 году Нахова представляла Россию персональной выставкой на 56-й Венецианской биеннале (Италия). Живет и работает в Москве (Россия) и в США.

Донато Пикколо предлагает свое толкование некоторых шедевров живописи XVII и XIX веков —интеллигентно, остроумно, но и слегка дестабилизирующим образом. Радуга у него превращает ностальгический «Вид Делфта» Яна Вермеера в гимн радости, а романтические пейзажи Каспара Давида Фридриха становятся апокалиптическими из-за вторжения двух метеоритов, как будто современная интерпретация «Бури и натиска» может обнаружить в этом видении конца света наивысшую точку романтизма. Метод Донато Пикколо — игра без правил, которая может исказить илиподчеркнуть намерения автора оригинального произведения.

Донато Пикколо
Художник. Родился в 1976 году в Риме (Италия). Учился в Академии изящных искусств в Риме. Его искусство исследует различные природные и эмоциональные феномены — часто при помощи технологических и механических инструментов. Пикколо участвовал в 52-й и 54-й Венецианской биеннале и выставлялся в важных музеях Италии, Европы и США, среди которых MACRO (Рим, Италия), фонд Cini (Венеция, Италия) и фонд Boghossian (Брюссель, Бельгия). Живет и работает в Риме и Милане (Италия).

В этом переплетении знаков и сигналов, в этой бесформенной массе невнятных кодированныхсообщений, поступающих со всего мира, задача художника — вопреки всему заставить вспышки магния проникнуть через сетчатку глаза в наш мозг и осветить тайные зоны нашего восприятия. Фабрицио Плесси стремится к разрушению барьеров между наукой и искусством и созданию диагональных пересечений; по его мнению, эти контаминированные языки, эти разные виды глобализации в конечном итоге превратят невыразительное лицо машины в выразительное, без каких-либо затруднений преодолевая обособленность и тяготы творчества.

Фабрицио Плесси
Художник. Родился в 1940 году в Реджо-Эмилии (Италия). Учился в Академии изящных искусств в Венеции (Италия), где впоследствии стал преподавать живопись. С 1968 года Плесси использует воду как главный источник вдохновения для своих инсталляций, фильмов, перформансов и массивных скульптур. Участник Венецианской биеннале (Италия), Венецианского кинофестиваля (Италия), выставки «Документа» в Касселе (Германия). Плесси представлял Италию на многих художественных ярмарках и биеннале за рубежом, в том числе на биеннале в Нагое (Япония, 1989), Сан-Паулу (Бразилия, 1994) и Кванджу (Южная Корея, 2000). В 2013 году он открыл Музей Плесси — изолированное архитектурное сооружение, подобное стеклянному ящику среди природы, в котором хранится коллекция его самых значительных произведений. Живет и работает в Венеции (Италия) и на Мальорке (Испания).
www.fabrizioplessi.net

Проект «Студия. Ожидание» представляет собой холст большого формата с присоединенным к нему устройством, позволяющим заново увидеть сюжет, оживить изображение без вторжения одного вида искусства в другой. Это попытка наглядно показать как независимость, так и сосуществование традиционной живописной формы и новейших средств дополненной реальности. В проекте рассматривается теория игры (в том числе с отсутствующим персонажем) в ее современном, виртуально-психологическом аспекте. Картина отделена от устройства, на нее ничего не проецируется. Она служит лишь точкой включения, поводом для расширения границ, заданных скучающим взглядом посетителя выставки. Живопись и программа живут и работают вместе —подобно тому, как люди сосуществуют в сетях. Этот своеобразный симбиоз позволяет привести технологии к обсуждению тех же вопросов, которые задает классическое искусство.

Виталий Пушницкий
Художник. Родился в 1967 году в Ленинграде (СССР). Окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (Ленинград, СССР). Участник крупных групповых выставок в Европе, США и России, в том числе Венецианской биеннале (параллельная программа, Италия, 2007) и Московской биеннале (Россия). Имел персональные выставки во многих музеях и галереях в России и по всему миру. Работы Пушницкого находятся в собраниях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Московского музея современного искусства (Москва, Россия) и в частных коллекциях. Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).
www.pushnitsky.ru

«Death Facking Metal» — последняя часть трилогии Коэна Тейса, в которую входят также видео «Фанфары, покой и наслаждение» (2007) и «Отечество» (2008). В каждом из этих произведений есть группа людей в униформе, депрессивно лежащих среди великолепных декораций. В третьей части герои облачены в антиуниформу рок-звезд. Эта видеоработа была снята на велодроме в Генте. В центре велодрома медленно вращается круглая сцена, а на ней между инструментамии усилителями развалились тридцать стареющих рок-звезд. Костюмы, гитары и барабаны сверкают в лучах прожекторов, пронизывающих дым на сцене. Присутствуют все элементы крутого концерта, но музыканты лежат усталые и подавленные, сейчас они вряд ли способны на какой-либо гитарный рифф или барабанный удар. По мере того, как вращается сцена, мы видим музыкантов крупным планом, одного за другим.

Коэн Тейс
Художник. Родился в 1963 году в Брюсселе (Бельгия). Относится к первому поколению бельгийских художников, которое стало использовать в своем творчестве видео (начиная с 1980-х). Когда Тейс еще был 20-летним студентом, его видеоработы приобрел Музей современного искусства в Нью-Йорке (США). С тех пор его произведения выставляются по всему миру. Сквозная тема его фотографий, видео и скульптур — деконструкция символов западной культуры. Живет и работает в Брюсселе (Бельгия).
www.koentheys.org

Концептуально отсылая нас к компьютерной сетке, а визуально отражая инфраструктуру здания без стен, Анна Франц создает помещение с открытым остовом. Состоящий из полипропиленовых кубов, этот остов вмещает предметы, видеозаписи и движения. Внутреннее (нежилое жилое) помещение оставлено пустым, чтобы зрители сами могли управлять визуальными образами, звуками, словами и виртуальными действиями внешней матрицы и создавать свою собственную историю. Птички щебечут, люди на видео общаются, игрушки шипят и кружатся, в морях приливы сменяются отливами — у них у всех есть фирменные названия, под которыми они продаются или известны в качестве персонажей в театральной постановке Анны Франц и за ее пределами. На первый взгляд напоминающая «Конец» или «Безумного Макса», эта мультимедийная среда является не столько сценой из мрачного будущего, сколько интимной декорацией для поэтического размышленияо самоощущении. Инсталляция меняется от места к месту, от страны к стране, и в ней всегда используются местные материалы.

Анна Франц
Художник, куратор в области медиаискусства. Родилась в 1965 году в Ленинграде (СССР). Окончила ЛВХПУ им. В.И.Мухиной (Ленинград, СССР) и Институт Пратт (Нью-Йорк, США). Сооснователь некоммерческого культурного фонда St. Petersburg Arts Project, лаборатории медиаискусства CYLAND и фестиваля «Киберфест». Интерактивные инсталляции Франц выставлялись на Московской биеннале современного искусства (Россия), на фестивале Video Guerrilha (Бразилия), на конференции SIGGRAPH Asia (Гонконг), на биеннале «Манифеста 10» (Санкт-Петербург, Россия, 2014), в Музее искусства и дизайна (Нью-Йорк, США), Эрмитаже (Санкт-Петербург, Россия), Художественном музее Челси (Нью-Йорк, США), Русском музее (Санкт-Петербург, Россия), Kunstquartier Bethanien (Берлин, Германия) и на других ведущих площадках по всему миру. Работы художницы находятся в собраниях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Музея искусства и дизайна (Нью-Йорк, США), Центра современного искусства имени Сергея Курехина (Санкт-Петербург, Россия) и фонда Kolodzei Art Foundation (Нью-Йорк, США), а также в многочисленных частных коллекциях. Живет и работает в Нью-Йорке (США) и Санкт-Петербурге (Россия).
www.annafrants.net

Условные крылья погружаются в ванны, наполненные черной краской, и взмахивают, вызывая в памяти движения птиц, перепачканных нефтепродуктами, в морской воде. Работа отсылает к теме Икара (стремление к прекрасным идеям с падением в пучины дерьма). С другой стороны, крылья работают как гигантские кисти художника. Привычный ремесленный мир творца тоже можно трактовать как бесконечное погружение в свет и тьму.

Александр Шишкин-Хокусай
Художник. Родился в 1969 году в Ленинграде (СССР). Окончил Ленинградский институт театра, музыки и кинематографии. C 1995 года работает как театральный художник; сотрудничает с именитыми режиссерами, среди которых Юрий Бутусов, Андрей Могучий, Адольф Шапиро. Как сценограф и дизайнер костюмов работал в театрах России, Норвегии, Польши, Болгарии, Южной Кореи, Китая. Многократный лауреат театральной премии «Золотая маска» (Россия). С 2010 года участник объединения художников PARAZIT. С 2014 года участвует в проектах лаборатории медиаискусства CYLAND. Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).