Выставочный проект «Эффект присутствия»

Марина Алексеева превращает стандартизацию в поле игры. В ее ящичках-лайтбоксах всегда происходит преображение стандарта. Зритель сначала восхищается, узнавая привычное, а потом радуется, открывая благодаря одной-двум деталям, как это привычное сюрреально. Любой предмет на своем обычном месте здесь может неожиданно продемонстрировать свободу от стереотипов поведения и восприятия.

Марина Алексеева
Художник. Родилась в 1959 году в Ленинграде (CCCР). По образованию керамист, окончила ЛВХПУ им. В.И.Мухиной (Ленинград, СССР). Работает в разных медиа: инсталляция, объект, живопись. Участник Московской биеннале современного искусства (2011), Биеннале современного искусства в Панаме (2013). Лауреат премии Сергея Курехина (Россия, 2010) в номинации «Искусство в общественном пространстве» (совместно с Борисом Казаковым). Произведения находятся в коллекциях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Московского музея современного искусства (Россия), Мультимедиа-арт-музея (Москва, Россия), фонда культуры «Екатерина» (Москва, Россия), Fundació Sorigué (Льейда, Испания), Art Vectors Investment Partnership (Вена, Австрия) и др. Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).

Лестницы — пожалуй, единственные городские пространства, которые не подверглись сильному влиянию времени. Меняются фасады, меняются интерьеры, а лестницы остаются неизменными. Когда мы ждем кого-то, мы смотрим в дверной глазок. С ним неразрывно связаны ожидание, настороженность и любопытство. Но в работе Людмилы Беловой то, что мы видим в глазке, не похоже на обычных гостей. Это условное обозначение волн Wi-Fi, и для того чтобы впустить их в свой дом, не нужно смотреть в глазок. Wi-Fi здесь — образ интернета, образ современной жизни в «облаках», в разных пространствах одновременно; констатация плавной киберэволюции человека.

Людмила Белова
Художник, куратор. Родилась в 1960 году на Камчатке (СССР). Окончила Абрамцевское художественно-промышленное училище (Московская область, СССР). Занимается видео, звуком, живописью, фотографией. Исследует вопросы памяти, пространства и времени; изучает влияние новых технологий на человека в художественных практиках; через интерактивность делает зрителя участником арт-процесса. Произведения Беловой выставлялись в Европе, США, России и Азии. Участник Московской биеннале (Россия, 2005, 2011), выставок параллельно с Венецианской биеннале (Италия, 2011, 2013, 2015), параллельной программы биеннале «Манифеста 10» (Санкт-Петербург, Россия, 2014). Лауреат премии «50 Bestern» ZKM (Карлсруэ, Германия, 2000), номинант премии Сергея Курехина (Россия, 2011, 2015). Работы находятся в коллекциях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Музея Анны Ахматовой (Санкт-Петербург, Россия), музея «Эрарта» (Санкт-Петербург, Россия), The Kolodzei Art Foundation (Нью-Йорк, США), в частных собраниях Швейцарии, Германии и России. Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).
www.ludmilabelova.com

Опыт жизни в России, по мнению Петра Белого, часто заключен в эстетическом сострадании. Всегда можно отвернуться от мрачного зрелища, пройти мимо, пробежать от машины до дома, перескакивая лужи. Если же на время остановиться, брутальная эстетика и философия жизни, как некие магические лучи, настигают нас почти сразу. Петр Белый не первый раз обращается к теме эстетического сострадания. Применяя матюшинский принцип «расширенного смотрения», он вглядывается в Россию, обобщая визуальный опыт, исследуя взаимоотношения нежного света и грубых поверхностей стали и бетона, делая территорию отчуждения главной темой своих объектов.

Петр Белый
Художник, куратор. Родился в 1971 году в Ленинграде (СССР). В 2000 году окончил магистратуру в Колледже искусств Камбервелл (Лондон, Великобритания). Активно работает в области крупномасштабной инсталляции. Монументальность в его проектах сочетается с визуальным аскетизмом, нарочитое использование грубых материалов, брутальность подхода — с лиричностью концептуального месседжа. Участник многочисленных выставок в России, Европе и США. Работы находятся в собраниях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Музея Виктории и Альберта (Лондон, Великобритания), в Коллекции Маргулиса (Майами, США) и др. Лауреат премии Сергея Курехина (Россия, 2009) в номинации «Лучшее произведение визуального искусства». Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).
www.peterbelyi.com

В инсталляции Райана Вулфа механическая скульптура озвучивает дыхание и сердцебиение художника в реальном времени. Ритм дыхания материализуется в открытии и закрытии подвешенных зонтов, а сердцебиение проявляется как мерцание огней. Подсоединяя творца к его творению, сенсоры наблюдают за физиологией художника и генерируют данные, которые с помощью технологии Bluetooth или сотовой связи и микропроцессора могут быть переданы из любой точки мира туда, где находится инсталляция. «Пневма» исследует эфемерность жизни, отношения современной наукии смертности, а также подвергает сомнению будущее телесности, превращая отсутствие в присутствие, синхронизируя жизнь в одном месте с другим пространством.

Райан Вулф
Художник. Родился в США. Занимается созданием интерактивных систем, напоминающих естественные системы, на которых они основаны, и в то же время совершенно от них отдельных. Произведения Вулфа выставлялись в Эрмитаже (Санкт-Петербург, Россия), на телебашне «Восточная жемчужина» (Шанхай, Китай), в пространстве E-Halle (Базель, Швейцария), на киностудии имени Довженко (Киев, Украина), в центре Artplay (Москва, Россия), в галерее Sky Gallery 2 (Токио, Япония) и на других площадках по всему миру. В 2016 году Вулф стал первым художником новых медиа, выбранным для создания инсталляции для легендарной лондонской галереи Great Eastern Wall. Живет и работает в Сан-Франциско (США).

Тень зрителя, падая на стену из картонных коробок для хранения вещей, включает звуки тиканья часов. Чем больше теней, тем громче и разнообразнее тиканье; личное время каждого вливается в общий звуковой поток. Когда все зрители вместе со своими тенями уходят, вселенная замолкает, время останавливается… Время существует из-за нас, оно лишь тень того, чем мы являемся…

Елена Губанова
Художник, куратор. Родилась в 1960 году в Ульяновске (СССР). Окончила Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (Ленинград, СССР). Занимается живописью, скульптурой, инсталляцией, видео. Основной интерес Губановой как художника — раскрытие понятия времени-пространства в социальном контексте, презентация научных открытий образным языком искусства. Лауреат премии Сергея Курехина (Россия, 2012) в номинации «Лучшее произведение визуального искусства» (совместно с Иваном Говорковым). Работы выставлялись на крупнейших российских и зарубежных площадках, среди которых Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия), Русский музей (Санкт-Петербург, Россия), Музей Москвы (Москва, Россия), Университет Ка-Фоскари (Венеция, Италия), Художественный музей Челси (Нью-Йорк, США), Kunstquartier Bethanien (Берлин, Германия). Участник параллельной программы биеннале «Манифеста 10» (Санкт-Петербург, Россия, 2014) и выставок параллельно с Венецианской биеннале (Италия, 2011, 2013, 2015); многократный участник фестиваля «Киберфест». С 1990 года работает совместно с Иваном Говорковым. Живет в Санкт-Петербурге (Россия).
www.elenagubanova.com

Иван Говорков
Художник. Родился в 1949 году в Ленинграде (СССР). Окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (Ленинград, СССР). Занимается философией, психологией, рисунком, живописью, скульптурой, инсталляцией; работает на стыке традиционного искусства и новых технологий. Профессор кафедры рисунка Института им. Репина. Лауреат премии Сергея Курехина (Россия, 2012) в номинации «Лучшее произведение визуального искусства» (совместно с Еленой Губановой). Работы выставлялись на крупнейших российских и зарубежных площадках, среди которых Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия), Русский музей (Санкт-Петербург, Россия), Музей Москвы (Москва, Россия), Университет Ка-Фоскари (Венеция, Италия), Художественный музей Челси (Нью-Йорк, США), Kunstquartier Bethanien (Берлин, Германия), Sky Gallery 2 (Токио, Япония). Участник параллельной программы биеннале «Манифеста 10» (Санкт-Петербург, Россия, 2014) и выставок параллельно с Венецианской биеннале (Италия, 2011, 2013, 2015); многократный участник фестиваля «Киберфест». С 1990 года работает совместно с Еленой Губановой. Живет в Санкт-Петербурге (Россия).

В основу инсталляции Рональда Дагоннье положен звуковой отрывок диалога из фильма Льва Кулиджанова «Преступление и наказание» (1970) по одноименному роману Федора Достоевского. Работа представляет собой видеомэппинг на моторизованный 3D-принт.

Рональд Дагоннье
Художник. Родился в 1967 году в Мессанси (Бельгия). Активно занимается цифровым искусством и видео. Участвовал в многочисленных выставках, в том числе в Российском государственном гуманитарном университете (Москва, Россия), галерее Axiolotl (Тулон, Франция), галерее Aeroplastics (Брюссель, Бельгия) и Военно-морском музее (Венеция, Италия). В настоящее время преподает видеографию и цифровое искусство в Высшей школе искусств Льежа (ESAVL, Бельгия). Живет и работает в Льеже (Бельгия).
www.ronalddagonnier.be

На экран, который разделяет выставочное пространство на две части, проецируется изображение, имитирующее зеркало. Сначала, приближаясь, зритель видит в нем лишь свое «отражение».Но посреди зала лежит сенсорный коврик. Когда на него наступают, коврик посылает компьютеру сигнал записать стоящего на нем посетителя в течение 30 секунд и загрузить видео в базу данных. После этого зритель видит в «зеркале» не только себя, но и тех, кто был здесь до него: инсталляция реагирует на присутствие людей на сенсорном коврике, произвольно комбинируя различные изображения, сцены и звуки. По мере того как растет база данных, работа меняется.

Александра Дементьева
Художник. Родилась в 1960 году в Москве (СССР). Изучала журналистику и искусство в Москве (Россия) и Брюсселе (Бельгия). Основной интерес Дементьевой как художника — применение социальной психологии, теории восприятия и бихевиоризма в инсталляциях, а также развитие нарратива в фильмах посредством субъективной камеры. Активный участник сообщества медиалаборатории CYLAND с 2008 года. Профессор Королевской академии искусств в Брюсселе (Бельгия). Обладательница главного приза за лучшее моноканальное видео на фестивале VAD (Жирона, Испания). Участница многочисленных выставок в крупнейших российских и зарубежных культурных институциях, среди которых Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия), Московский музей современного искусства (Россия), культурный центр Centro de la Imagen (Мехико, Мексика) и др. Живет и работает в Брюсселе (Бельгия).
www.alexdementieva.org

Философы создают концепты, замедляя выхваченные фрагменты хаотичного поля, а проект«Оболочки смысловых конструкций» — это обратное ускорение концептов до возвращения их в образное… Объекту предлагается «взглянуть» на лист с текстом. На какое-то время он погружаетсяв анализ информации, а после приходит в движение. Чем насыщеннее концептами текст, тем дольше и разнообразнее активность объекта. Наиболее оживленные фрагменты стреляют яркой жидкостью. Желтое, синее, красное вещество вытекает из отверстий. Конструкция постепенно забрызгивает и заливает красочными пятнами и струями себя и территорию под собой. Чистые цвета перемешиваются и образуют сложную палитру.

Дмитрий Каварга
Художник. Родился в Москве (СССР). Получил художественно-техническое образование. Его наиболее значительные работы последних лет основаны на синтезе искусства и технологий: это интерактивные кинетические объекты и инсталляции, созданные в сотрудничестве с учеными, программистами и инженерами. Каварга именует себя «биоморфным радикалом». Постоянный участник международных выставок и фестивалей современного технологического искусства, таких как Lexus Hybrid Art (Москва, Россия, 2012), Ars Electronica (Линц, Австрия, 2013), FILE (Сан-Паулу, Бразилия, 2014) и др. Живет и работает в Подмосковье (Россия).
www.kawarga.ru

«Mutator» демонстрирует синтетические трехмерные органические формы, которые видоизменяютсяв проецируемой компьютерной анимации и в реальном времени в виртуальной реальности. Зритель плывет через огромное многомерное пространство возможных форм.

Уилльям Лейтам
Художник, специалист в области информатики. Родился в 1961 году в Великобритании. Получил художественное образование в Оксфордском университете (Великобритания) и Королевском колледже искусств (Лондон, Великобритания). Лейтам прославился своими работами, созданными с 1987 по 1993 год, когда он был стипендиатом Научного центра IBM в Винчестере (Великобритания). Его новаторское органическое искусство, основанное на концепции «эволюции через эстетику», широко демонстрировалось в Великобритании, Германии и Японии в 1990-е годы. С 1993 по 2003 год занимался рейв-музыкой и разработкой компьютерных игр в компаниях Universal, Sony SCEE и Warner Bros. В 2007 году Лейтам стал профессором компьютерного искусства в Голдсмитском колледже (Лондонский университет, Великобритания). Он вернулся к своим художественным истокам и возобновил долгосрочное сотрудничество с математиком Стивеном Тоддом. С конца 2015 года Лейтам много работает в сфере виртуальной реальности, развивая проект «Mutator VR». Живет и работает в Лондоне (Великобритания).
latham-mutator.com

Этим цифровым изображением великолепных цветов с висящей на заднем плане картиной на библейский сюжет Ли Ли Нам иллюстрирует мимолетность красоты. Вдохновением для видео послужила восточная пословица «hwa-mu-ship-il-hong», в буквальном переводе «красота цветка никогда не длится десять дней», что заставляет вспомнить о западной концепции vanitas.

Ли Ли Нам
Художник. Родился в 1969 году в уезде Тамян (Южная Корея). Окончил Университет Чосон (Кванджу, Южная Корея). В своем медиаискусстве, которое начало привлекать большое внимание в середине 2000-х годов, художник создает пространство сосуществования физического и виртуального. Его работы демонстрировались в рамках персональных и групповых выставок в разных странах, включая Южную Корею, Японию, Китай, Тайвань, Сингапур, США, Великобританию, Испанию и Тунис. Участник выставки «Личные структуры. Пересечение границ» в палаццо Мора во время Венецианской биеннале 2015 года (Италия). Живет и работает в Кванджу (Южная Корея).
www.leenamlee.com

Инсталляция состоит из двух видео («Песок DH» и «Грабли»), проигрываемых рядом друг с другом одновременно и непрерывно. Оба видео были созданы художниками во время пребывания в арт-резиденции iii (Studio Loos, Гаага, Нидерланды) на материале гаагских прибрежных дюн и окрестностей.

Филл Ниблок
Композитор, медиамузыкант, художник. Родился в 1933 году в Андерсоне (штат Индиана, США). С середины 1960-х создает музыку и медиаперформансы, которые исполнялись на многочисленных площадках по всему миру. С 1985 года возглавляет фонд Experimental Intermedia (Нью-Йорк, США). Как медиахудожник использует музыку, кино, фотографию, видео и компьютеры. Многие его произведения основаны на сотрудничестве с конкретными музыкантами: среди них Сьюзан Стенгер, Роберт Росс, Джим О’Рурк, Ульрих Кригер, Том Бакнер и другие. Лауреат премии Джона Кейджа (США, 2014). Живет и работает в Нью-Йорке (США).
www.phillniblock.com

Катерина Либеровская
Художник. Родилась в 1961 году в Монреале (Канада). Работает в области экспериментального видео с 1980-х годов. Сотрудничала с такими композиторами и саунд-артистами, как Филл Ниблок, Ал Марголис, Хитоши Кодзо и Дэвид Уотсон. С 2003 года активно занимается микшированием видео в режиме реального времени, импровизируя с различными саунд-художниками. Параллельно с художественными практиками Либеровская организует и курирует мероприятия в сфере медиаискусства в Канаде, США и Европе. Живет и работает в Монреале (Канада) и Нью-Йорке (США).
www.liberovskaya.net

Ал Марголис
Саунд-художник, продюсер. Родился в США. С 1984 года выступает и выпускает записи под псевдонимом If, Bwana. Сотрудничал с Полиной Оливерос, Джоан Осборн, Моник Буззарте, Адамом Боманом, Эллен Кристи, Ульрихом Кригером, Дейвом Прескоттом и многими другими. Марголис также известен как активист американского кассетного андеграунда 1980-х годов благодаря своему лейблу Sound of Pig. Кроме того, он один из основателей экспериментального лейбла Pogus Productions. Вдобавок к импровизации и сочинению музыки Марголис играет на бас-гитаре в легендарной прото-панк-группе The Styrenes. Живет и работает в Нью-Йорке (США).

Нао Нишихара выражает в перформансе понятие своего тела. Когда художник бьет по барабану у себя на спине, выглядит это так, как будто он танцует, хотя намерения танцевать у него нет. Танцевать его заставляет барабан. Так кто же хозяин тела? Вдобавок кинетические звуковые устройства издают звуки на нем повсюду. Когда они включаются, у Нишихары возникает ощущение, что он в оркестре. Машины есть машины, но они помогают ему так же, как и музыканты. Кроме того, они не всегда работают идеально, и им, как и телу, требуется уход. Нихашира хочет продемонстрировать искусство нормального тела — не по каким-либо ностальгическим причинам, а в связи с дальнейшим развитием общества и технологий.

Нао Нишихара
Художник. Родился в 1976 году в Хиросиме (Япония). Активно занимается саунд-артом и перформансом. Черпая вдохновение в дадаизме и японской классической музыке, он создает полуавтономные звуковые устройства, которые исследуют телесный аспект написания и исполнения музыки в пространстве. Его недавние выставки проходили в Художественном музее Мори (Токио, Япония), звуковой лаборатории IDIO (Нью-Йорк, США) и центре Kunstraum Kreuzberg/Bethanien (Берлин, Германия). Живет и работает в Токио (Япония).
nishiharanao.blogspot.com

«Омер» — попытка вдохнуть новую жизнь в статичный кадр. Если бы такое было возможно… С помощью датчика движения зритель включает проектор, как только внимательно посмотрит на фотографию. Под одним углом на экран проецируется неподвижное изображение, а под другим —чуть левее или правее — движущееся. Зритель мягко покачивается в ритме мотора проектора, и портрет оживает, словно желая начать диалог. Эта инсталляция напоминает об исходных возможностях фильма, воспринимаемого как движущееся изображение.

Элс ван Рил
Художник. Родилась в 1965 году в Бельгии. Изучала фотографию и кинематографию, работала фотографом, редактором и продюсером на различных фото-, кино-, видео- и театральных проектах. Ее фильмы, видео и инсталляции исследуют воздействие детальных изменений в движении, материи, свете и восприятии. Живет и работает в Брюсселе (Бельгия).
www.elsvanriel.be

Эта работа — «живой» ковер, смешение прошлого и настоящего, — выполнена в технике пэчворк, только лоскуты ткани заменены кусочками видео. Вопрос, который она ставит: где наша реальность? Ведь чаще всего мы находимся не «здесь и сейчас», а в прошлом или в планировании будущего, в мечтах или страхах. Это видео сродни нашей памяти, где все существует одновременно: зима, лето, детские рисунки 1985 года, на которых одна демонстрация сменяет другую в борьбе «за мир», многочисленные бабочки — реальные и нет, портрет Пушкина, какой был в каждом доме, и прочее. Бесконечная игра реальности-нереальности отражает нашу способность перемещаться не тольков пространстве, но и во времени, когда некий запах, вкус, цвет или свет вызывают воспоминание и позволяют перейти в другое время-пространство.

Вероника Рудьева-Рязанцева
Художник. Родилась в 1981 году в Красноярске (Россия). Окончила СПбГХПА им. А.Л.Штиглица (Санкт-Петербург, Россия) и Институт «Про Арте» (Санкт-Петербург, Россия). В своих работах не ограничивается одним медиа, сочетая видео, живопись, инсталляцию и рисунок. Относит себя к поколению «детей перестройки»; исследует человека, вопросы идентификации и повседневный абсурд, связь прошлого и настоящего. Участник многочисленных выставок в России и за рубежом, в том числе на таких площадках, как центр современного искусства «Винзавод» (Москва, Россия), Русский музей (Санкт-Петербург, Россия), галерея Korjaamo (Хельсинки, Финляндия), Музей Линдена (Штутгарт, Германия). Видеоработа «Очищение снегом» приобретена в коллекцию ГЦСИ (Москва, Россия). Живет и работает в Санкт-Петербурге (Россия).

Инсталляция Аятгали Тулеубека — исследование тепла во всех смыслах слова. С точки зрения человеческих чувств это призыв увидеть его как свойство близости и пространственного опыта. Но идея тепла, безусловно, в огромной мере связана также с энергией и энтропией — понятиями со множеством коннотаций и бесконечным пространством для метафоризации.

Аятгали Тулеубек
Художник, куратор. Родился в 1985 году в Жамбыле (Казахстан). Окончил Академию художеств Осло (Норвегия). Cокуратор павильона Средней Азии на 55-й Венецианской биеннале (Италия, 2013, совместно с Тиаго Бомом). Персональные выставки Тулеубека проходили в центрах UKS (Осло, Норвегия, 2011) и Malmøgata (Осло, Норвегия, 2011). Он также участвовал в групповых выставках на 3-й Московской биеннале молодого искусства (Россия, 2012) и на Международном фестивале искусств в Дели (Индия). Живет и работает в Осло (Норвегия).

Электромагнитное поле частотой 50 Гц генерируется катушкой индуктивности и представляется как объект в пространстве. Проект приглашает к осмыслению отношений человека и техногенной окружающей среды. Человек в современном мире часто находится в зонах магнитных полей, генерируемых электросетью, чувственно их не переживая. Катушка индуктивности — это концентрированное присутствие электросети, заполнившей каждый уголок цивилизованной ойкумены. Инсталляция выявляет незримое присутствие электромагнитного поля за счет объектов, которые звучат или двигаются под его воздействием. Происходящее оказывается танцем и шумовым перформансом, дуэтом тела и поля.

Назар Рахманов
Танцор, актер, художник. Родился в 1991 году в России. Окончил Центр изучения религий РГГУ (Москва, Россия). Выбрал танец как основной вид деятельности. Участвовал в пластических постановках студии «Круг», работающей с людьми с ограниченными возможностями (Москва, Россия), затем стал актером Poema Theatre (буто, физический театр, Москва, Россия). Совместно с Анастасией Толчневой, Эдуардом Рахмановым и Юлией Боровой организовал save.co.lab — проект лаборатории SAVE, объединяющий science art и перформанс. В 2016 году вошел в число актеров театра Blackskywhite (физический и визуальный театр, Москва, Россия). Параллельно работает над собственными проектами «весна_зарождение» и «Гальванизация». Живет и работает в Москве (Россия).

Эдуард Рахманов (EduArt)
Химик, художник, дизайнер. Родился в 1981 году в России. Окончил химический факультет МГУ (Москва, Россия). Совместно с Юлией Боровой основал лабораторию SAVE; совместно с Юлией Боровой, Назаром Рахмановым и Анастасией Толчневой организовал проект save.co.lab, объединяющий science art и перформанс. Участвовал в проектах для выставки Политехнического музея «Россия делает сама» (Москва, Россия). Живет и работает в Москве (Россия).

Анастасия Толчнева
Музыкант, художник. Родилась в 1992 году в России. Участник международных проектов в области современного танца. Создатель музыкальных проектов Lovozero и Tikhie Kamni. Сотрудничает с медиахудожниками Юлией Боровой, Назаром Рахмановым и Эдуардом Рахмановым в рамках проекта save.co.lab, который объединяет science art и перформанс. Живет и работает в Москве (Россия).

Концептуально отсылая нас к компьютерной сетке, а визуально отражая инфраструктуру здания без стен, Анна Франц создает помещение с открытым остовом. Состоящий из полипропиленовыхкубов, этот остов вмещает предметы, видеозаписи и движения. Внутреннее (нежилое жилое) помещение оставлено пустым, чтобы зрители сами могли управлять визуальными образами, звуками, словами и виртуальными действиями внешней матрицы и создавать свою собственную историю. Птички щебечут, люди на видео общаются, игрушки шипят и кружатся, в морях приливы сменяются отливами — у них у всех есть фирменные названия, под которыми они продаются или известны в качестве персонажей в театральной постановке Анны Франц и за ее пределами. На первый взгляд напоминающая «Конец» или «Безумного Макса», эта мультимедийная среда является не столько сценой из мрачного будущего, сколько интимной декорацией для поэтического размышления о самоощущении. Инсталляция меняется от места к месту, от страны к стране, и в ней всегда используются местные материалы.

Анна Франц
Художник, куратор в области медиаискусства. Родилась в 1965 году в Ленинграде (СССР). Окончила ЛВХПУ им. В.И.Мухиной (Ленинград, СССР) и Институт Пратт (Нью-Йорк, США). Сооснователь некоммерческого культурного фонда St. Petersburg Arts Project, лаборатории медиаискусства CYLAND и фестиваля «Киберфест». Интерактивные инсталляции Франц выставлялись на Московской биеннале современного искусства (Россия), на фестивале Video Guerrilha (Бразилия), на конференции SIGGRAPH Asia (Гонконг), на биеннале «Манифеста 10» (Санкт-Петербург, Россия, 2014), в Музее искусства и дизайна (Нью-Йорк, США), Эрмитаже (Санкт-Петербург, Россия), Художественном музее Челси (Нью-Йорк, США), Русском музее (Санкт-Петербург, Россия), Kunstquartier Bethanien (Берлин, Германия) и на других ведущих площадках по всему миру. Работы художницы находятся в собраниях Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Музея искусства и дизайна (Нью-Йорк, США), Центра современного искусства имени Сергея Курехина (Санкт-Петербург, Россия) и фонда Kolodzei Art Foundation (Нью-Йорк, США), а также в многочисленных частных коллекциях. Живет и работает в Нью-Йорке (США) и Санкт-Петербурге (Россия).
www.annafrants.net